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La manera de hacer cine ya no será la misma a partir de 2020, debido al cambio general que ha ocasionado el coronavirus en el escenario mundial y en diferentes industrias. Por esta razón, se llevó a cabo -este 29 de octubre, desde las 6 :30 de la tarde- la videoconferencia Comunicación Cinematográfica, en el marco de la IX Semana Internacional de las Comunicaciones: para dar una idea de cómo será el resultado final de estas producciones.

 

Los invitados para el despliegue de esta jornada académica fueron los cineastas Carlos muñoz, español, y Homer Etminani, iraní radicado en Latinoamérica. Para empezar, llegó el momento de esperar no ver esas escenas multitudinarias, sino de planos reducidos en los que solo aparecerá un actor.

 

Podría no parecer algo emocionante e incluso hasta un choque ante lo que se acostumbra a ver en este sentido, pero las normas son las normas y en cuestiones fílmicas también se deben respetar.

 

Este conversatorio representó una manera de cambiar la percepción de una película que no cambia de plano, pues lo interesante de una historia no radica en los elementos incluidos en una misma escena.

 

En realidad, la música, la luz, la misma historia es la que hace del cine un imán de atenciones, pero sobre todo, la estrategia que use el creador para involucrar al público. De hecho “los cineastas hacen que la gente participe en sus películas con cada una de sus decisiones y cada plano” dijo Muñoz.

 

De este modo, “un realizador hace que se disfrute una historia con expresiones, pues el cine no informa, el cine expresa”, aclaró Etminani, en una charla dinámica con varios ejemplos mostrados, de expositores del cine independiente y de países como Lituania.

 

Los dos ponentes estuvieron de acuerdo en concluir que el mayor recurso para un cineasta, de aquí en adelante, será el tiempo y no tanto el guión u otros elementos a los que Hollywood acostumbraba a apelar.

 

De todos modos, las variaciones que se efectúen en la industria serán de carácter técnico, porque “el cine seguirá siendo literatura contada con imágenes”, agregó Muñoz..

 

Ambos invitados también concordaron con el cambio de mentalidad que se debe fomentar en los adeptos del cine, pues se trata de que empiecen a apreciar más el arte para que puedan disfrutar en la misma proporción de trabajo de quienes se dedican a este campo.

 

“Es válido que se quiera ganar mucho dinero con el cine. Para eso se debe contratar actores de renombre e impulsar las marcas, tal y como se ha venido haciendo hasta ahora. Sin embargo, el cine independiente se fortalecerá y es con los recursos creativos que se dará este logro”, encimó Muñoz.

 

Por su lado, Etminani consideró que la industria no está amenazada por la pandemia y la prohibición de aglomeraciones. “Son las salas de cine las que lo están, pero la necesidad de que exista la industria del entretenimiento será cada vez mayor”, terminó el realizador persa. JSN

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Bastante interesante resultó ser la videoconfenrencia ‘El sonido en el cine’, organizada por el programa de Comunicación Audiovisual, transmitida a través de Facebook Live, este martes desde las 3:00 de la tarde, y en el marco de la Semana de las Comunicaciones de 2020, este 27 de octubre. Charla en la que la sonidista Isabel Torres contó su experiencia a estudiantes de la unidad académica antes mencionada y tocó otros temas de suma importancia para ellos, egresados y a todo al que le pudiera generar interés.

 

El conversatorio virtual estuvo moderado por el docente Robin Jiménez y, en su transcurso, fueron explicados diferentes tecnicismos propios de la profesión, así como algunos trucos a los que se acude para conseguir ciertos efectos en las producciones.

 

Uno de los compartidos por la experta es utilizar una olla freidora para simular el sonido de la lluvia o los de muy baja frecuencia para genera una sensación tensionante, sobre todo en las historias de terror.

 

Por otro lado, Torres, en respuesta a las preguntas que formulaban los estudiantes, dijo que el cargo del sonidista tiene mayores vacantes en diferentes pues se trata de un campo no muy explorado por cineastas.

 

No obstante lo anterior, Torres también expresó preocupación ante el desinterés de los gobiernos por invertir en la cultura, pero también dijo entender que en estos momentos la prioridad es trabajar por la salud, debido a la pandemia mundial.

 

De todos modos, Torres animó a quienes interactuaban con ella durante su intervención a explorar este camino y tomarlo en serio, pues sus logros la llevan a hacer esa recomendación.

 

La invitación de Uniautónoma a Torres es, en un futuro, no muy lejano, dictar seminarios para profundizar en la materia, posibilidad muy cercana a la realidad, según lo manifestó la invitada a esta jornada educativa, llevada a cabo de forma muy amena.

 

Si quieres revivir este conversatorio puedes ingresar al Facebook de la Universidad Autónoma del Caribe e ir a la sección de videos, o dar clic aquíJSN

 

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En días pasados se anunció la videoconferencia ‘El sonido en el cine’, organizada por el programa de Comunicación Audiovisual, a través de Facebook Live, este 27 de octubre, a las 3:00 de la tarde. A pocas horas de dar inicio a esta charla, damos detalles de la invitada central: la sonidista Isabel Torres.

 

¿Quién es ella?

Isabel Cristina Torres Reyes ha sido ganadora de premios y ha estado nominada por su trabajo en varias películas, series y documentales. Su trabajo incluye generar el sonido directo, el diseño y la edición de sonido para largometrajes de ficción y documentales de larga o corta duración.

 

Han sido más de 30 producciones cinematográficas en las que ha participado, todas de realizadores destacados como Luis Ospina, Rubén Mendoza, Oscar Ruíz Navia, José Luis Rugeles, Juan Andrés Arango, entre otros.

 

Señorita maría, la falda de la montaña; Parábola del retorno; El valle sin sombras; Pizarro de Simón Hernández; Todo comenzó por el fin; Nueva venecia; Maruja de Manuel Contreras; Looking for…; Cocaine war; Submarinos de la droga; Woman war and peace; Apaporis y 16 MM son algunas de esas producciones en las que ha metido mano.

 

Esta comunicadora social nació el 6 de septiembre de 1974, en Pasto. Es egresada de la Universidad Javeriana, Bogotá y especialista en Sonido de la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños, Cuba.

 

También es docente en diferentes universidades del país y “lo que me hace sentir más satisfecha de mi carrera es que cada proyecto es distinto, por lo que no es rutinario. Eso, en lo laboral y en lo personal pues conocer muchos sitios y mucha gente y haber logrado ser sonidista en un país del tercer mundo, es una gran satisfacción vivir de lo que a uno le gusta”, dice Torres.

 

De acuerdo con la entrevistada, ha ganado solo dos premios. “Me han nominado a muchos, pero yo sólo he ganado dos. Uno fue el de mejor sonido por un documental en la Escuela de San Antonio de los Baños, en el Festival de Documentales Santiago Álvarez, con Sin Memoria. El otro fue mejor sonido por el Vuelco del Cangrejo”, agrega.

 

Para Torres, ambos son significativos, pero “no me lo esperaba en mi época de estudiante. Los dos representan etapas de mi vida muy importante. De todos los largometrajes, hay unos que uno guarda con especial cariño. Para mí, Señorita María, la falda de la montaña fue un rodaje hermoso. Lo sentí como una reunión entre amigos, como un encuentro de cineastas”, recuerda.

 

Según esta profesional, “Todo comenzó por el fin, de Luis Ospina, también lo fue, porque fue un resumen de toda su vida, es el cineasta más representativo de este país, fue un honor, fue un gusto haber trabajado con él.

 

El cine en la vida real.

Torres considera que ningún país es bueno para dedicarse al cine. “Tal vez Estados Unidos, pero me imagino que también es estresante. La industria del espectáculo no es fácil. He tenido suerte, debo ser agradecida, he sostenido un hijo con películas, una casa; tengo ahorros, he viajado, he conocido gente”, añade la artista, pero reconoce que “es cada vez es más difícil, cada vez hay más gente y menos recursos. Hacer cine no es fácil. No creo que sea fácil en Francia, porque hay más recursos, pero también hay más gente”, encima.

 

Para Torres, “no se debe vivir de dirigir películas, sino trabajar en una factoría, pues, además de encontrar las historias, te garantiza el dinero y la comida. Depender del arte daña, porque el arte es demasiado estresante y eso puede ensuciar el arte creativo”, aconseja y advierte.

 

No obstante lo anterior, “hacer cine en Colombia es más fácil que hacer cine en Ecuador o en Venezuela. En realidad, hacer cine en Colombia es más fácil que en cualquier otro país de Latinoamérica”, afirma.

 

En cuanto al escenario postpandemia, Torres dice que solo se sabe el pasado, “no se sabe qué va a pasar de aquí en adelante. Veo que para el gobierno no es prioridad promover la cultura y el arte. Después de la pandemia será complejo hacer cine, pero siempre habrá la necesidad de expresarse a través del arte, entonces sí se seguirá produciendo. Incluso se fortalecerá este campo”, prevé.

 

La sonidista intuye que el lenguaje audiovisual no va a desaparecer, “pero las salas de cine cada vez serán más élite y el cine pasará a la sala de la casa, cosa con la que yo nunca he peleado”, aclara. Por otro lado, “rodar será distinto y las temáticas también, las historias también cambiarán, serán más intimistas, más solitarias, porque ya los grandes eventos no podrán darse”, anticipa y termina diciendo que el computador será la nueva gran pantalla”. JSN

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El domingo 9 de febrero está marcado en los calendarios de los amantes del cine y de las celebridades como la noche más importante del séptimo arte: los premios Óscar. Son muchas las producciones que durante 2019 han llamado la atención de críticos y expertos cinéfilos por sus grandes puestas en escena y magníficas actuaciones. Es por eso que desde la Universidad Autónoma del Caribe el docente experto Julio Lara Bejarano hace un análisis de lo que se comenta acerca de las diferentes nominaciones en estos premios:

 

Acerca de la criticada película ‘The Joker’, Lara afirmó que “es un alegato complejo y multicolor de la incomprensión de un personaje como el desarrollado por Joaquín Phoenix. La película reposa en el trabajo actoral de su protagonista. Plantea un escenario cosmopólita, menos gótico, más contemporáneo, sobre la neurosis y la crisis social que vive Norteamérica. La representación se asienta en términos veraces que responden a problemáticas citadinas de las grandes capitales mundiales”.

 

“En ella observa una puesta en escena de apariencia austera. El tratamiento de vestuario y el sonido son interesantes, reconocidos, de hecho, en la gala de los Globos de Oro. No obstante, el argumento cumple con el ‘statu quo’. Dentro de lo artístico, en comparación con alguna de las otras películas que compiten en la misma categoría, Joker está en un rango estilístico que ofrece medianos sobresaltos”, añadió Lara.

 

Reconoció que es imposible eludir la figura que representa Joaquín Phoenix, pues, de él se desprende todo. La película goza del reconocimiento y la aceptación del público “pero falta ver si los votantes de la Academia optan por escogerla”.

 

“Este año podría ser el primer premio a mejor director para Quentin Tarantino, eludiendo al fin su acostumbrada, y casi que exclusiva dentro de este certamen, categoría a mejor guion. Con ‘Érase una vez en… Hollywood’ asistimos al vivo ocaso del Hollywood dorado, es difícil que la Academia pase por encima de eso sin congratularlo. Esta película es un paseo guiado a través de un parque de atracciones a modo de máquina del tiempo”, sentenció el experto.

 

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Calificó como un hecho lamentable que no se comente sobre el trabajo de Greta Gerwig en ‘Mujercitas’, no por mera defensa feminista, sino por el hecho de que “construyó un discurso coherente y a la vez atrevido con una pieza que es revisitada por tercera ocasión. A pesar de que esta obra ha sido adaptada varias veces, con ocasión previa en 1993, esta era una oportuna ocasión para reconocer la dirección de Gerwig”.

 

Por otro lado, Lara expresó que ‘Historia de un matrimonio’ plantea la dicotomía ‘plataforma versus pantalla grande’ tan de moda por estos días, y aunque parece que exhibe un discurso bastante agotado a nivel argumental, y que no hay más nada que ver sobre las dificultades de parejas en estos tiempos, “es una justa alegoría de lo que puede ser el compromiso y el hecho de cargar con la responsabilidad, más allá del mero placer, en una relación”.

 

Pasando a Le Mans’66 (titulada también ‘Ford vs Ferrari’) Lara consideró que “la interpretación de Christian Bale opaca al Matt Damon que le acompaña en el reparto. Allí demostró una capacidad camaleónica para hacerle olvidar al público que se trata del mismo actor en interpretar a un vicepresidente de los Estados Unidos, a un psicópata, a un inescrupuloso estafador y al afamado Bruce Wayne”.

 

“’El Irlandés’ posee mucha fuerza, indiscutiblemente, por la interpretación de su reparto. Robert De Niro, Al Pacino, el tema del sindicalismo, la mafia, la política y lo turbio de aquel momento histórico norteamericano en que reinó Jimmy Hoffa. Es una macropropuesta de alguien que pudo haber tomado ‘El Joker’ como proyecto, cuando le fue ofrecido por Warner, y que, en cambio, optó por uno más acorde a su discurso. Cine negro. Scorsese en estado puro”, destacó Lara.

 

El experto de Cine reconoció que ‘JoJo Rabbit’ recopila el trabajo de montaña rusa de su director, cuyas su crestas y valles distinguen su filmografía. “Si se observa el trabajo de su director, Taika Waititi, en otras producciones como ‘Thor: Ragnarok’, uno descubre que carga una propuesta inusual dentro del género de superhéroes. Pero, desde ‘Cacería para gente salvaje’, otro de sus grandes trabajos, no veíamos algo tan especial bajo su liderazgo. Su más reciente pieza tiene un toque diferente con el tema bélico de fondo.

 

“Con ‘Parásitos’ Bong Joon Ho logró una película excepcional. Carga una puesta en escena que todo el tiempo raya en la genialidad, en cuanto a la composición fotográfica, a la puesta en cámara, al elenco, el diseño de vestuario, diseño de producción. Todo brilla. Es difícil encontrar el defecto, la exageración o lo innecesario. No existe nada de eso. Es una película elaborada con el enorme cuidado”.

 

Lara expresó que Bong Joon Ho tiene un grado de madurez audiovisual muy alto. Consideró necesario remontarse a otras de sus producciones como ‘Okja’, que entró con un bajo perfil en Netflix y ‘The Host’, una película de horror y fantasía. También a ‘Memorias de un asesinato’, cuya historia inspirada en hechos reales, hasta hace muy poco arrojó datos sobre el verdadero responsable de los homicidios allí retratados. “Esta película fue como una carta de presentación mundial sobre quién sería Bong Joon Ho, a principios del 2000. Sin duda alguna, ‘Parásitos’ es una película que promete mucho del trabajo venidero de su autor”.

 

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Mejores Actores y Actrices.

En el trabajo actoral principal masculino “Antonio Banderas ya fue celebrado en Cannes y puede repetir, pero Joaquín Phoenix puede ser muy aclamado, al igual que Jonathan Pryce, interpretando al Papa Francisco, cuya labor es tan destacable como la de Adam Driver”.

 

En la categoría a mejor actriz femenina “Charlize Theron con ‘Bombshell’ mostró una posición brillante pero conforme a sus capacidades, un nivel cinematográfico que no ofrece mayores novedades. Quien posiblemente sea la que se lleve ese premio es Scarlett Johansson”.

 

Por otro lado “Al Pacino, Brad Pitt y De Niro en la categoría de mejor actuación en papel secundario opacan a Tom Hanks y Anthony Hopkins, aunque estos dos últimos han tenido más oportunidades de sobresalir. Es lamentable que De Niro no haya sido nominado, teniendo en cuenta que ‘El Irlandés’ reposa sobre sus hombros. Sin embargo, él ya ha demostrado sus capacidades. No es una cosa imposible de repetir para él”.

 

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Mejor Director.

En la categoría a mejor director “Martín Scorsese y Quentin Tarantino la tienen reñida. Aunque la Academia podría fijarse en que Tarantino ha anunciado en numerosas ocasiones que por fin se retira, y esto podría acelerar que le hagan merecedor de un Óscar antes de marcharse de las filas de la meca del cine. Por su parte, Tod Phillips todavía tiene mucho que demostrar y le falta bastante trayecto para aspirar a un premio en la categoría de mejor director. Sin duda va por buen camino”, señaló.

 

“Si hablamos de las temáticas, las nominaciones han sido diversas. El Irlandés, JoJo Rabbit, Los Dos Papas, Mujercitas, El Joker; ha sido amplio el panorama”, destacó Lara.

 

En la categoría de películas animadas se encuentra ‘Dónde está mi cuerpo’, “es una pelicula de drama y fantasía animada que uno sabe, de corazón, que merece ser reconocida, pero al competir con ‘Toy Story 4’ y ‘Cómo entrenar a tu dragón’ difícilmente va a llevarse el premio. También está ‘Klaus’, grata sorpresa al ser una película española. No obstante, competir con productos Disney, Pixar, DreamWorks, etc., es un gran desafío”, puntualizó el docente.

 

Julio César Lara Bejarano es docente de la Universidad Autónoma del Caribe, crítico, formador de públicos y jefe de prensa de la Cinemateca del Caribe. VSC

 

 

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Micky Mouse, el Pato Donald, Peppa La Cerdita y muchas otras caricaturas fueron creadas por dibujantes, con el apoyo de todo un equipo de ilustradores y productores multimedia. ¿Te gustaría crear un personaje como los mencionados? Si aún no has decidido qué estudiar, debes saber que la Universidad Autónoma del Caribe te puede formar en Diseño Gráfico, pues precisamente esta es una de las maneras de llegar a ser un caricaturista y hacer que tu nombre figure en los créditos de producciones que le dan la vuelta al mundo.

 

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Matricúlate ya, porque…

Alex Enrique Pernett Estrada es diseñador gráfico profesional. Sus asignaturas a cargo son Ilustración Análoga, Ilustración Digital; Animación Digital y Animación Análoga. De la mano de este joven docente aprenderás todo lo necesario para crear un dibujo animado y es que, “todo es pasión. Si te apasionas, lo aprendes. Es bastante sencillo una vez aprendido y hasta divertido, lo digo por mi experiencia en ese proceso”, dice Pernett Estrada.

 

De acuerdo con el profesor de tiempo completo, se debe tener la historia, algo que contar, “tener la historia en la cabeza. Después, lo descompones en procesos como el guión y luego el story board, porque se debe hacer muy visual”, informa el entrevistado.

 

El también magíster en diseño y creación interactiva agrega que, luego, “se le da movimiento al story board con el animatic, convirtiendo este material en una imagen sin color pero movible, algo plano para ver cómo funciona. Después se colorea”, explica Pernett.

 

Conforme el experto, para el que sabe dibujar, todo lo anterior se logra de forma rápida. De hecho, “yo podría hacerlo en dos horas”, asegura.

 

Estando de acuerdo con Pernett, en lo importante que es saber dibujar, para este proceso, Néstor Loaiza -arquitecto y pintor artístico- dice que “todo parte de la proporción". “Si no tienes clara la proporción de la figura humana ideal, no puedes llegar a hacer un modelado ni un tipo de esquema para llevarlo a la animación”, advierte.

 

Loaiza, también docente de tiempo completo, encima que esta habilidad se adquiere con la asignatura de Figura Humana, en segundo semestre, “la cual también es necesaria para quien quiere ser escultor y, por supuesto, para crear una caricatura”, asevera.

 

Para este profesor, la caricatura “es la exageración de esas proporciones y se hace más rápido estilizando algo que ya se tiene concreto. Cuando exageras demasiado, ‘arrancando desde cero', no habrá un buen resultado”, considera.

 

Loaiza sugiere empezar con un esquema desde pequeño. “La simple bolita y el palito que hacen los niños. Eso significa que todos podemos aprender a dibujar con una buena técnica y el proceso. La creatividad es clave para crear. Casi siempre los caricaturistas son buenos dibujantes y terminan exagerando la figura que tanto elaboraban”, dice.

 

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La parte más compleja.

Para continuar con el diseño del personaje, Pernett añade que se debe elegir el tipo de animación que se va a hacer: “2D, en plastilina; 2D con arena, se puede empezar a dibujar cuadro por cuadro o por fotogramas claves, en donde se establece la posición 1, la 2 y se llenan los fotogramas intermedios”, especifica.

 

Pernett revela que en el caso de un dibujo animado clásico como la Pantera Rosa se usaba mucho acetato y, a manera de paso a paso, describe cómo se hace hoy en día algo similar: “se hace el muñeco y se va moviendo cuadro a cuadro para darle articulación, movimiento. “Lo más elaborado es el muñeco. Luego se le da el movimiento con tecnología. Para televisión, aún se hace de este modo”, encima el docente.

 

Según el educador, hacer un dibujo animado bajo cualquiera de las modalidades tiene el mismo nivel de complejidad, por lo que considera que hay un equilibrio. Stop Motion es una de las herramientas que se utilizan para este fin, conforme Pernett, quien también cita a Cubo y la Búsqueda de Samurái para referenciar uno de los resultados que se consiguen con dicho método.

 

En cuanto a lo que se ha hecho en Colombia, en este sentido, Pernett dice es mucho y El Libro de Lila es solo una muestra del estado del arte de la animación, el cual incluye cortos, incluso en proyectos de grado

 

Pernett anticipa que, para el futuro y de acuerdo con las tendencias del presente, se está preparando la utilización del 3D. “En Hollywood se está viendo constantemente. Así es que se producen las películas animadas, lo que es bastante rentable, sobre todo cuando se hace digital pues se ahorra mucho material por el que antes se invertía grandes sumas de dinero”, sostiene.

 

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¿Es rentable?.

Según Pérnett, uno de los campos de trabajo del caricaturista es el cine, el cual es cada vez más buscado para este tipo de producciones. “La tendencia es que los actores sean más creaciones animadas y no actores de carne y hueso”, declara y menciona a Transformes, Avatar y a Avengers como las referencias más claras y recientes de lo anterior.

 

“En la industria de los videojuegos también hay que animar el personaje y luego relacionarlo con los controles del teclado”, informa quien está a cargo, en Uniautónoma, de los cursos fuertes que sirven de base para cumplir tu objetivo, en caso de serlo. JSN

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La 'mamadera de gallo' sobre la visita de Quentin Tarantino, para el desarrollo de la séptima edición del Festival Internacional de Cine de Barranquilla (Ficbaq), sigue dando de qué hablar, nueve días después de haber sido publicada por los diferentes medios locales y nacionales, a manera de noticia.

 

En tan poco tiempo, esta polémica ha derivado otras que cuestionan si vale la pena o no estudiar periodismo, o la credibilidad de quienes ejercen esta profesión y la responsabilidad de los editores, por aprobar que salga a la luz una información sin confirmar.

 

Por tal motivo, la Universidad Autónoma del Caribe volvió a ser epicentro de reflexiones sobre buenas prácticas periodísticas el pasado miércoles, durante el conversatorio ‘Retos y amenazas de un nuevo periodismo: el caso Tarantino’.

 

El evento, organizado por la Facultad de Ciencias Sociales y Humanas, su programa de Comunicación Social Periodismo, con el apoyo del Laboratorio de Periodismo Álvaro Cepeda Samudio, se realizó en el sexto piso del Edificio de Posgrado, con la participación de autoridades académicas y de prensa.

 

Los panelistas invitados fueron Óscar Montes, ex - editor de El Heraldo, columnista y panelista representante de Blu Radio; Martín Tapias, director de noticias de Caracol Barranquilla; Lina Robles, redactora de Publimetro y Zona Cero; Wilhelm Garavito, redactor y columnista de ADN; Humberto Mendieta, columnista y director de noticiero regional y Jaime De La Hoz, profesor y periodista.

 

La jornada pedagógica, con marcadas pinceladas de debate, se llevó a cabo bajo la moderación del también docente y columnista Anuar Saad, ante colegas, estudiantes e interesados en la temática, siendo además transmitida, en vivo, por Facebook y otras redes sociales.

 

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La primera intervención.

Para los organizadores del Ficbaq, este acto fue la oportunidad de explicar qué fue lo que pasó con Tarantino y porqué se afirmó lo de su visita.

 

Según Giuliano Cavalli, director del festival, la motivación principal fue el esfuerzo de seis años y el trabajo invertido en la edición más reciente, “con el mismo cariño y el mismo amor”. “La mentira es el componente esencial del arte y el arte es un motor esencial de la cultura”, agregó Cavalli.

 

De acuerdo con el cineasta, no se calculó hasta dónde iba a llegar esta historia, pero no querían "que se quedara como un asunto local, como un festival de cine que estaba agonizando por la falta de recursos". "Necesitábamos una medida de choque y queríamos que el país supiera lo que estaba pasando. De igual manera, la mentira también hace parte del Carnaval”, añadió.

 

Cavalli recordó el dicho de Álvaro Cepeda Samudio: “mamar gallo es la única forma de hablar en serio”, para luego afirmar que la reacción de los medios y de la gente, en general, era precisamente lo que esperaban. “Que la ciudad, a partir de esa acción, reflexionara en qué es lo que está pasando con los eventos culturales, en cómo se trata a los gestores que ponen también el pecho para hacerlos con sus propios recursos”, sostuvo.

 

Para el creador audiovisual, “cuando una mentira es asumida como verdad, crea otras mentiras que replican en otras más, creando una ilusión de esa realidad de realidades. La imaginación lo gobierna todo, somos partícipes de una película en la que todos tenemos un montaje en la cabeza”, dijo y reiteró que ni él ni su equipo de trabajo tenían idea de las repercusiones y que sí se llevaron varias sorpresas.

 

Conforme Cavalli, haber mentido sobre la visita de Tarantino fue consecuencia de la falta de fondos que deberían ser distribuidos por los entes de cultura, pues “los dineros deberían ser destinados y manejados por procesos más consensuados y participativos”, y agregó que “hoy en día no hay consejo de cine y por eso esta ciudad no puede participar en la convocatoria de relatos regionales de Proimágenes, estímulo para la creación de cine regional”.

 

Por lo anterior, Cavalli ratificó que la ilusión creada fue para que, a nivel internacional, todos reflexionemos sobre la administración de la cultura y la voluntad de desarrollar esta industria en ella.

 

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Los periodistas y sus opiniones.

Para Óscar Montes, en contraposición de lo dicho por Cavalli, “una mentira, una farsa, nunca puede ser considerada un buen elemento periodístic"."Una cosa es mamar gallo y otra es la mentira, la trampa. El tramposo no puede considerarse jamás un buen periodista”, señaló el periodista de Blu Radio.

 

Para Montes, “se consulta una fuente, buscando la verdad o aproximarte a ella, pero consultando una sola no llegarás la encontrarla. Fallamos todos”, consideró.

 

Por otro lado, Martin Tapias contó que el primer medio que publicó sobre la mentira fue Caracol Radio, “porque había muchas cosas que no cuadraban y estuvimos todo el equipo trabajando hasta muy tarde, buscando confirmar esa información. Los organizadores de la mentira no contestaban el teléfono. El que la Policía no tuviera un esquema de seguridad para un personaje como Tarantino, ni lo tuviera la Secretaría de Cultura hizo que creciera el sin sabor de que algo no estaba bien”, informó.

 

Al final, Tapias estuvo de acuerdo con titular ‘esto es una mentira’. A través de Twitter, Tapias expresó que “una mamadera de gallo es un acto de alegría que se hace entre amigos y genera sonrisas, pero esta deja a una ciudad muy mal parada en el escenario nacional, en general, no es un asunto de medios. Nos costó la credibilidad. Si el efecto que se buscaba era la visibilización,mañana quién creerá en cualquier otro anuncio que hagan como personas y como festival”, complementó el director de noticias de Caracol Barranquilla.

 

En cuanto a los problemas de presupuesto mencionado por Cavalli, Tapias lo consideró un argumento planteado sobre otra mentira, pues “sí se están haciendo inversiones en ese sentido: $2.400 millones en estímulos entregados a gestores y hacedores de la cultura”, contrastó.

 

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Por su parte, Lina Robles narró su experiencia, primero, refiriéndose a los seis años que lleva Ficbaq en escena, en los que han tenido invitados maravillosos y los han cubierto con mucho cariño. "Dije, genial que sea Tarantino este año. En Cartagena estuvo Will Smith, Marissa Tomei, y Matt Dilon. ¿Por qué no tendríamos a Tarantino aquí? Pedí que me lo confirmaran y lo hicieron. No me iban a mentir. Revisé si Tarantino tenía redes sociales, pero no las tiene. Seguí a su esposa, pero el tiempo no nos alcanzó para confirmar con amigos en Los Ángeles e ir más allá”, dijo la periodista asociada a Publimetro y Zona Cero.

 

Para Wilhelm Garavito, no es descabellado ni inverosímil que Tarantino venga a Barranquilla. "Hace unos años, Tom Cruise estuvo en Medellín y, si miramos los cables de noticias, vemos que Tom Hanks y Oliver Stone han estado en una aldea africana, durante un festival, entre comillas irrelevante, por la cercanía que quieren mantener con la gente”, opinó.

 

Además, según Garavito, los periodistas creen en las fuentes oficiales. "Si bien se han dado pasos culturales, todavía estamos lejos de Amsterdam o Berna. La Dimayor anuncia que Junior juega a las 3 y media de la tarde y juega a esa hora. Uniautónoma anunció a Rigoberta Menchú y aquí estuvo”, comparó.

 

Garavito también manifestó el gran valor de esta lección, pues su enseñanza es tener un "margen de duda" respecto a ciertas fuentes oficiales, pero aseguró que le seguirá creyendo "al Junior con su lista de concentrados", ya que hay "ciertas lógicas que no deben modificarse por un caso desacertado que fue una burla para la sociedad”.

 

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Menos severo fue el punto de vista de Humberto Mendieta, ya que consideró este episodio como una "magnífica" lección de periodismo. "No estoy de acuerdo que la credibilidad haya sido afectada. Le creemos a la fuente, pero, ante todo, debimos dudar por el tremendismo de la visita de un director de cine a una ciudad que no es Los Ángeles ni Nueva York. Se debió verificar las posibilidades y sobre todo si el lugar en el que iba a estar era el Parque Sagrado Corazón”, sugirió.

 

Para Mendieta, columnista y director de un noticiero regional de Telecaribe, la estrategia dio resultados extraordinarios, "tanto que estamos en este conversatorio sobre este tema”. Mendieta instó a reconocer lo bueno que hicieron los organizadores del Ficbaq: “rescatar a un personaje como ‘El Descabezado’, siendo parte de las verdaderas estrellas. Hay que buscarle el lado positivo a la situación”.

 

No obstante lo anterior, Mendieta estuvo de acuerdo con los demás panelistas en el asunto fue el engaño. "La afectación fue más en el honor del sector cultural, un asunto de honor mancillado. No hay fraude por legalidad. Sin embargo, si hubo afectados como gente que viajó solo por ver a Tarantino. Faltó un poco de malicia”, puntualizó.

 

Como conclusión de la jornada, Martín Tapias invitó a los estudiantes y a sus colegas a “verificar, verificar, verificar”, para evitar que este tipo de errores se repitan, lo cual fue sucedido por Lina Robles al expresar que “la mentira no hubiera sido necesaria si se hubiera sabido la situación real”, dijo y terminó manifestando que “no es necesario que venga Tarantino ni Tom Cruise, lo nuestro y lo propio es lo que tenemos que rescatar”.

 

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En lo que respecta a si vale la pena estudiar comunicación social y periodismo, tanto Óscar Montes como Martín Tapias concordaron que hacerlo es pertinente “ahora más que nunca, pero se requiere aún más ser mejores periodistas". "Estudien con más ganas porque el compromiso que tenemos todos, que siempre ha existido, es la búsqueda de la verdad”, indicó Montes.

 

Tapias, por su parte, dijo que sí hay que estudiar comunicación social y periodismo, porque lo que hoy vive como periodista se lo agradece a su paso por la academia. "La academia forma para el día a día que me corresponde afrontar. Sí hay que creer en lo que se está haciendo, porque los retos que se deben enfrentar, hoy, son muy grandes, como las redes sociales y la inteligencia artificial en medios”, finalizó.

 

De alguna manera, Tarantino estuvo presente.

Como invitado especial al conversatorio, estuvo Ismael Escorcia, quien caracteriza a ‘El Descabezado’, cada año, en el Carnaval de Barranquilla. Este actor de la tradicional festividad, al enterarse que venía Tarantino y que estaba interesado en su personaje, hizo un nuevo disfraz con la cabeza del director hollywoodense.

 

Haciendo caso a Humberto Mendieta, sobre rescatar lo positivo de las circunstancias, todo lo ocurrido podría ser parte de un buen guión, inspirado en lo ocurrido en esta capital, como lo dijo uno de los presentes, en el segmento de las preguntas. JSN

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César Acevedo, director de la cinta ‘La tierra y la sombra’, habló de su visión del nuevo cine en la Semana Internacional de las Comunicaciones.

El cineasta caleño César Acevedo, director de la premiada película ‘La tierra y la sombra’, expresó este viernes en la VIII Semana Internacional de las Comunicaciones que para él lo más importante es contar historias humanas y despertar la emoción del espectador. “Hacer cine no es sólo pararse detrás de una cámara, requiere desafíos como conocerse a sí mismo e introducirse en la realidad”, dijo en el conversatorio ‘El nuevo cine’, moderado por Ángel Unfried y con la participación de Homer Etminani y Pacho Bottía.

Sobre su película, el realizador explicó que con el paisaje siempre quiso expresar el sentimiento heroico de la gente que vive en el campo, su lucha y la fatalidad del progreso y olvido en el que se vive. Para el director de cine se debe tener en cuenta la geografía emocional, “me gusta utilizar locaciones con signos de destrucción y muerte, exteriorizar las pasiones internas de los personajes que viven allí como la tierra y las cenizas. Con las locaciones en esta obra quise hablar de mis orígenes, de tantos problemas que se han naturalizado por una falsa idea de progreso, sin dejar de resaltar las cosas hermosas del campo”, añadió.

En esta misma línea, Bottía agregó que las locaciones son espacios que pueden ser sombra o parte del drama en una película, no actuando como un decorado. “Muchas películas escogen los espacios como fondos, pero también es importante que el espacio respire y que los personajes se involucren en él. El espacio puede ser un protagonista más”, puntualizó.

Los cineastas estuvieron de acuerdo con concluir que hacer cine no parte de un simple rodar por rodar, sino que comienza con una realidad que dicta una necesidad. El cine en ese sentido es uno de los artes más complejo, que tiene por reto convertir esa realidad en una obra cinematográfica. “La gente no sabe qué es cine, hay producciones que se salen de los cánones y lo ven como algo aburrido”, dijo Homer Etminani.

El conversatorio, que hizo parte del cierre de la Semana Internacional de Comunicaciones, se convirtió en un espacio en el que se expusieron los desafíos para elegir, en una producción cinematográfica, locaciones y personajes como protagonistas del drama, reconociendo la influencia de las nuevas tecnologías como oportunidad para registrar más historias sobre una realidad que demanda cada día más ser contada.

En relación con las nuevas técnicas digitales, los realizadores audiovisuales fueron enfáticos en aclarar que hay que diferencias entre el contenido cinematográfico hecho para la industria, con temáticas de entretenimiento o comercial, y el cine visto como obra de arte, donde las cifras y los recursos no pueden ser el factor que determina una buena producción. La nueva escuela enseña a hacer cine desde equipos más económicos que presentan una nueva forma de contar.

Al respecto, Homer aclaró que frente al nuevo cine debemos pensar en las plataformas de exhibición que existen. “Hay mucho cine y no hay dónde mostrarse. Creo que es más fácil cuando estás dentro de la industria comercial; pero el problema más grande es que la gente no sabe qué es cine, hay producciones que se salen de los cánones y lo ven como aburrido, ahí también existe un reto pedagógico”, señaló el cineasta.

En este sentido, Bottía comentó que “con las nuevas técnicas digitales en la posproducción pueden entrar en el cine muchas transformaciones, y por eso los realizadores tienen que estar dispuestos a que el material te vaya diciendo nuevas cosas. Sin embargo, siempre es importante mantener la idea con la cual comenzaste a rodar. Esa idea es la que mantiene la pasión que te lleva a no dejar un reto a mitad de camino”.

Publicado en Noticias Generales
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